“2019王式廓——今世青年艺术家国际驻留”项目评审团及往届获奖艺术家寄语由北京今日美术馆、王式廓基金会携手纽约ISCP国际驻留机构团结主办的“2019王式廓——今世青年艺术家国际驻留”项目历时近2个月数千份艺术作品征集数百位优秀青年艺术家群雄角逐最终10位优秀青年艺术家蔡雅玲、邓玉峰、杜蒙高振鹏、雷徕、李祝伟、宋建树王恩来、许毅博、张春华从报名的数百位艺术家中脱颖而出上期中我们先容了蔡雅玲、杜蒙、高振鹏雷徕、邓玉峰五位青年艺术家的创作历程今日×王式廓 │ 群星闪耀的中国青年艺术家光线（上）本期让我们一起走进另外五位青年艺术家李祝伟、宋建树、王恩来，许毅博，张春华李祝伟让作品自己说话“看法只是思维‘游戏’”“视觉自己才是最真实的一部门”艺术家李祝伟结业于西南大学美术学院油画系的青年艺术家李祝伟，2016年赴意大利留学深造，攻读视觉艺术研究生。他说从入学到结业的那段留学履历是他最纯净的时光，因为只专注于创作这一件事。

留学期间让李祝伟在艺术认知上发生了很大的改变，李祝伟的导师并不强调教授技术，而是教会了他如何做人，做真正的自己，岑寂，专注于一件事，少“想”多做，去除无效的工具等等，而如何做人适用于任何职业。这样的思维方式对李祝伟之后的艺术创作有着极大的影响。“看法只是思维‘游戏’，我始终以为视觉自己才是最真实的一部门。”纵观艺术家李祝伟的作品，用几个词来形貌就是纯粹、简朴、自然且直接。

质料上的行为痕迹就是作品自己的主体，只是强调了一种表象的存在。由于受到自己意大利导师的影响，李祝伟尽可能的去自我，去掉小我私家包裹的一些修饰跟伪装，从而有效地去融入自我，促使自己进入一种真实、自由、本能的状态。

《一》，木，2x3.5x180cm，2018 《o》，布，280x350cm，2018“简化事物处于纯粹自然的状态则更容易显露真实的自我，艺术作品成了一个自我认识的镜子，创作方式也自然形成。”因此，他的作品抛开了诸多形式及意义，留下无形象的质料与痕迹。

好比作品“一”的直观形象是一个用锯子锯开的痕迹，而这个痕迹自己就是整个作品的主体，它很直白，不需要有多余的一些解释；再好比作品“o”，它是李祝伟把线一根根抽掉之后留下的一个圆形的形象而已。而这些作品也讲明了李祝伟小我私家作为存在的一种态度：我就是我自己而已，不需要用其他的故事去讲明我的存在。

《无题》，水泥、铁架、齿印78x45x130cm，2018《白布上的黑线》，白布，黑线，木115x120cm，2018今日美术馆：你的作品只是强调了一种表象的存在，是受 Arte Povera 艺术门户的影响吗?这种简朴纯粹的意象也是你人生信奉的理念吗?李祝伟：有影响，好比我喜欢收取贫穷艺术没有看法那部门，看法只是思维“游戏”，我始终以为视觉自己才是最真实的一部门。但影响泉源也不是这么单一，我留学前对今世艺术并不熟悉，所以也不是对某个牢固门户有多深的迷恋，相反我是面临今世艺术整体产物，去感受自己感兴趣的部门，在边实践边相识中去认识西方今世艺术史。而简朴自然的方式主要还是出于留学期间形成的面临人生及艺术的态度，也是我现在信奉的理念，但我不确定以后会不会改变。今日美术馆：当下你最关注什么?又是否有某些困惑发生？李祝伟：我关注的点还是围绕小我私家与艺术的关系，它不应该只是小我私家情感的表达，它跟其它职业没什么差别，是一份需要满足生活的事情而已，艺术品也是商品，我的困惑点就是如何做更好的转化为经济支撑，以前我一直以为人是为理想而活的，好比说艺术，当我需要面临生活中的诸多负担时，我才发现人在世是需要认清现实的。

艺术可以是理想的，可是需要认清现实来掩护自己的理想国。今日美术馆：未来的创作计划和偏向是什么?李祝伟：从对西方今世艺术的生疏，到对今世艺术史的熟悉与实践，我以为我只是完成了我的学习历程，往后我会更多专注到生活自己中，情况是流动的，生命才会流动，艺术创作才会随着流动而获得连续生长。

宋建树做一个用身体感受世界的“造物者”“艺术最大的魅力在于它最终有调动感知引发想象的能力” 艺术家宋建树“作为一个雕塑家，我始终是以做工具和造物作为艺术语言的基本出发点。我通常会用身体的感受去判断自己与真实世界之间的距离，这就是我艺术发生的地方。”艺术家宋建树的作品给人以厚重且沉静的质感。他的创作脉络好像是一条水流，流向受外部条件变化的影响，但总的来说又始终保持向低处的探索。

近几年，艺术家宋建树的创作分为三个阶段，他用他自己的方式回应着周围事物对他的触动。这三个阶段中对质料、看法、造型的研究心得相互交织，互为影响。

最后出现出来的作品，成为了宋建树对这些问题探索历程中的一个个例证。《传家宝》，黄金，20×20×1cm，2013艺术家宋建树将从身体里取出的结石铸造成一件黄金小首饰，并看成传家宝赠与他的孩子。结石体质源自基因遗传，不为意识所左右，宋建树更看重他能送给孩子的是用另外一个角度去看待自身遭遇的履历。

第一个阶段是研究质料的详细性，从眼前的、手中的详细质料入手，哪怕都是木头，甚至哪怕都是同一种木头，但详细到每一根、每一块，它们的形态、遭遇各不相同，在视察它们并与之对话的历程中，则发生了形式完全差别的作品。《最后》，槐木，525×115×90 cm，2010第二个阶段由第一阶段生发出来，宋建树时常使用公制工具处置惩罚种种质料，历程中，他逐步发现尺度化界说和自身感知之间的差异所组成的微妙关系。他在这两者的差异间找到了他自己美学的地带。

因而在这个逻辑之下创作了现场装置作品《三秒半落地》。而这种“落地”行为的发生则启发了宋建树第三个阶段的创作。《一公里塔》，不锈钢，300×127×127 cm，2014《三秒半落地》，钢筋，尺寸可变，2015第三个阶段主要是以制造变化和运动的方式去寻找并出现张力的方法，《三秒半落地》展现的抛物线运动与重力反抗的张力；《捕风者》以数字技术捕捉舞者动态，展现了人体在运动中形成的新的空间支配。

捕风者》，聚脲、保丽龙，400×200×200 cm，2018“我或许不能算一个坚定的唯物主义者，而且我对本质论也并不很体贴。热衷于物质形态的出现是希望自己有能力去缔造现实而不仅仅是建立愿景。”艺术作为学科而言，它的研究方法论还是理性的，就像古希腊人对比例的系统研究，透视法、剖解学在为获得实感上提供的理论支持，以致于数学与音乐的密切关系，算法对成像效果的影响都无不体现着这一点。

但艺术家还需要敏锐的直觉判断，能够感知别人不易察觉的工具，才气用卓越的想象力突破既定界限。而艺术最大的魅力在于它最终有调动感知、引发想象的能力，哪怕是肤浅的感知，天真的想象，对于感知者来说也特别有意思。

这也是艺术最感动宋建树的地方。今日美术馆：你以为艺术之于公共、之于社会而言意味着什么？宋建树：我以为艺术与社会和公共的关系，有点像蝴蝶效应谁人理论，我们研究它并不是出于服务社会、服务公共的目的而去，而是以本能的好奇为出发点（这一点艺术和科学一样），只不外有一些研究和发现恰好触发或者对应上了社会和公共需求，继而在行业应用中被徐徐展开，形成它的影响力，才确立了艺术在思想、教育、资本等诸多层面的意义。这就像蝴蝶煽动翅膀本不是为了营造飓风，但我们不行否认两者之间存在着的因果联系。

今日美术馆：当下你最关注什么？最困惑的又是什么？宋建树：之前的创作一直没在造型的语言上做更深的研究，质料语言，看法出现被放在主要位置，是因为我一直没有给自己找到一个需要造型的充实理由，这也是我的困惑地方，但这两年我逐渐思考了一些雕塑的造型与力学、动能以及释放这些气力的技术之间的关系，虽然另有些模糊，但值得去研究一下。今日美术馆：未来几年有何创作计划和偏向？宋建树：未来几年我探索的偏向大致会锁定在被技术所决议的造型这个偏向上，简朴来讲，好比上个世纪，核爆炸制造出了蘑菇云这样一个奇特的景观，在这样一个技术发作的年月，我想实验捕捉一些这个时代的技术所能引发的那些超出主观意识的形态。王恩来用现制品感受现实矛盾“从简朴的质料中建设艺术逻辑”艺术家王恩来2014年是他逐渐脱离学院情况，开始独立创作并广泛地到场展览的关键节点。再往前追溯，在王恩来本科时期的诸多习作中，会发现他兴趣点的一连性，即对物质质料的热衷。

架上雕塑的学习和反思使他认识到纵然在面临泥、木、铜等传统雕塑质料时，也不能只把它们作为再现形象的载体，而是要重新审视质料自己的特性和逻辑，同样在面临种种现成物质料时，王恩来试图挖掘其自己的特性，而不是再现形象，或仅使用其文化符号，而是需要有思辨精神。从简朴的质料中建设艺术逻辑是有挑战性的，但王恩来乐在其中。《瀑布的演进》，消毒皂，脚手架，水池，水泵，尺寸可变，2016“从作品里我总能看到自身的变化，也会看到自己面临差别外部情况的反映，然后不停的总结再推进。

”王恩来创作中很重要一点，就是他的大部门质料都泉源于生活中的现制品。而在现制品的选择上，他倾向于使用大工业生产时代的工业原料。在他看来，我们今天的生活充斥着被生产的物品，可是往往因为它们太过熟悉，人们便会忽略掉它们所具有的一些特性，那些有意思的地方。

所以在王恩来的作品中，他希望在一系列的现制品中找到一些感兴趣的、可以深入研究创作的点，然后把它强化，让这些被限定了功效的现制品，从他们被使用的语境中脱离出来，在其作品中建设一个新的逻辑。今日美术馆：当下你最关注什么?最让你困惑的又是什么?王恩来：艺术上没有突然的发现或者猛烈的转变，还是沿着之前的兴趣和感受在走。

如果有什么困惑的话，就是面临越来越庞大的社会生活情况，怎样在信息爆炸的碎片里捋出真实的线索，找到坐标。今日美术馆：你对即将前往纽约举行艺术驻留有什么期待以及创作的计划吗？王恩来：我以为纽约是一个商品化水平特别高，工业化特别完备的地方，所以我这次的计划或者主题还是围绕着现制品创作来举行。可能有两部门，一个是通过对街区社区以及更大规模内文化与物理空间的考察，去形成一些详细的作品方案。

再一个就是对美术馆及科技馆的考察，我想集中在运用现制品质料的艺术家上，去探究差别艺术家使用现制品质料表达的异同，可能会让我形成一些文字和理论上面的认知。ISCP所在的地方布鲁克林是一个很是混杂的一个地带。它的文化的组成、整个生态的富厚性及刺激感，是我特别期待的地方。

作为一位艺术家，可能我更需要一些情况的转变，一些新的刺激，来给我带来一些新的履历和提示。许毅博艺术与科技的探索者“解密数字时代所营造的奇异景观” 艺术家许毅博结业于鲁迅美术学院雕塑系研究生的许毅博，出生于沈阳，怙恃是沈阳机床厂的工人，在工厂大院里长大的他，从小被厂子里硕大的机械设备、雨后水面上漂浮着五颜六色的油斑，以及四处散落的铁屑这些多维且立体的印象所触动，也是那时，为他奠基了属于自己的审美基调，也塑造了一种心理层面的癖好。

许毅博在2015年拿到了艾尔弗雷德艺术与设计学院电子交互艺术专业的offer，开始攻读他的第二个硕士学位。在纽约学习的那段时间，许毅博开始将自己真正视为艺术事情者或职业艺术家，归纳属于自己的创作脉络。《归》，蜡，木，金属，电子元件，180cm×90cm×180cm，2016“我从16岁开始进入附中学习艺术，直到这两年才意识到自己很爱艺术这件事儿。艺术那么自由，我因为做着艺术而感受到自由，没有比这更棒的事儿了。

” 《在地面航行》，蜡，木，电子元件，金属200cm×120cm×60cm，2017《透明社会》，电子元件，白钢，亚克力，投影融合，2500×800×400cm，2019美国留学的履历使得许毅博对社会有着属于自己的敏感度。好比作品《透明社会》中可以感受到许毅博对隐私的关注。在他看来，隐私是人的自然权利，对隐私的过分抓取无不渗透着阶级性的信息透明度差池等。令人恐慌的是人们在尚未觉醒之时，逐渐默许这种自然权利被信息社会啃噬。

人在当下已经无法不依赖社交媒体为其提供的服务，这迫使人屈从于“透明社会”。这正是在逐渐放弃人的自然权力，且无法反抗这种逐渐形成的信息社会“规则”，这在他看来是令人恐慌的。

《透明社会-自愈》，投影，白钢，舵机，单片机尺寸可变，2019“这个时代我们又似乎是可以掌控万物的神，却也被万物掌控。这是一种永无休止的博弈，也是被数字时代所营造的奇异景观。

”许毅博的作品总是和艺术与科技有着精密的联系。但艺术与科技在他看来却不是一个新话题。

他认为，在人类有规范的现代教育之前是没有学科之分的，我们不是在缔造新学科，而是恢复某些我们丢失的工具。这使我们有了跨学科的动力，给了我们回述以往学术方式的可能性。

作为生活在这个时代的艺术家，把科技作为一种文化来举行视察，相识，甚至举行反思，这是不行回避的责任。《自愈功效》，投影，尺寸可变，2017今日美术馆：当下你最关注什么?许毅博：我最关注的点是我作品所探讨的问题如何和体验更准确的匹配到一起。因为职业化，自己作品的奇特性和不行替代性是连续活跃在今世艺术语境中的能量。

我没有形成确定的创作模式，作品才会涉及机械交互装置、数字影像等全前言手段。数字艺术、代码艺术、新媒体艺术、交互艺术这些观点都有隶属关系或交织意识，包罗艺术与科技领域诸多分支都需要艺术事情者举行极其快速的知识迭代。从软件到代码、从齿轮到马达、从显示器到投影仪、从泥塑到3D打印，这些都是在逐步进化。

作为造物主的我们继续掌控它们是基本底线，所以掌控的越多，思维就更容易准确转达。我相信艺术事情者的学习能力不会只限于单一前言，否则在创作开始前就已经被限制了可能性。今日美术馆：未来几年有何创作计划和偏向?许毅博：计划和偏向应该都不会变化，而会逐渐细化，使其变得愈加清晰。从2016年开始的《自愈功效》系列其实是基石。

作品中不是割裂，而是重组，或者叫挪用。那些混淆图像是《自愈功效》系列作品中对后生命的一种透视。人类进入3.0阶段时，身体和思维可以分散，也就是西方阐释的“灵”与“肉”的分散，这和机械很一致，这种分散展示了两者的可控性。

而作品中的驻足点在于重组，这种组合是带有思辨的重组，你仔细视察局部会发现荒唐的趣味，因为我在以去人类中心化的方式讲述一件事情，“语气”中没有情感，只是用这种方式把大家没说的话说出来，在这个时代，这算是一种勇气吧。对我创作发生触动的是不停更迭泛起的新问题，而且一定是政治与科学无法更好解答的命题。

我会以我的模式对观众举行或激进或润物无声的引导，这也许就是艺术家“危险”的地方。未来创作偏向的源头仍旧会是由很私人的感受所引起的，好比《自愈功效》这一系列作品，内里给出了许多荒唐的忧虑以及对未来的不确定。

另有《透明社会》系列也正是由于我的生活被物联网所品味导致的一种阶级信息掌控差池等。阶段性的差别一定会有，因为差别阶段我们都在面临更多的新问题，就像五年前“后生命”还算不上生命；五年前我们也没有思考过物联网要把人与人的关系挤向那边；五年前我们也不会想到大数据已经拼凑了我们的数字化形象，我们的好恶品行都已经被数据化分享给差别的厂商。

张春华以绘画的微观叙事洞悉时代影象“面临心田的声音寻求最大限度的表达自由” 艺术家张春华在全球化不停生长，充满多样性和庞大性的今天，今世艺术出现出空前的活力，作品也展现出各样繁杂的信息及新的生长可能性。而艺术家张春华在近十年里，反而更多的是在往回寻找，以此来应对当下的思考。他试图从小我私家的角度在看似微观叙述的作品中，出现出中国特有的配合影象。

张春华说，人在每个阶段随着时间的推移会有差别的体验，对世界的认识都市发生变化或者修正，同样对艺术的明白也会有所更新和变化。而在履历了种种社会的洗礼后，艺术家张春华的良心最终驱使他回归艺术，成为其融入生命的一种表达。

《地球仪》，布面油画，200×160cm，2016 《影象一种》，布面油画，300×200cm，2017“我简直是一个恋旧的人，但我的创作因素不仅仅是影象，更多的是关乎我们所处的时代，一个充满戏剧性的，快速而多样化的时代。”《剧照》，布面油画，200×400cm，2018《剧照2》，布面油画/铝合金梯，250×600cm，2018在张春华的作品中，我们时常会看到一些已往的某人们视而不见的场景，例如一座雕像、一个窗户、一张床，或者是一个被遗忘的角落，他们是艺术家张春华创作的源泉。

因为这些元素里蕴含着影象、履历、美学，以及张春华的思考和体验。著名艺术家张晓刚评论张春华时提到：“在没认识他之前光看作品以为他是我的同龄人，同样喜欢德国系的艺术，或者同样是一个在尼采、克尔凯戈尔、加谬和贝拉塔尔式的灵魂深处中彷徨太久，企图做一个荒原狼似的孤苦诗人，只是他明白的诗已被这个世界拆解得七零八落了。”《窗外》，布面油画，200×100cm，2017“绘画于我来说，是人类最靠近灵魂的表达方式之一，是一种面临心田的声音，一种寻求最大限度的表达自由。

”张春华在绘画语言的选择上力图单纯、直接，使观者不把眼光放在与表达无关的画面要素上，与此同时又能从画面肌理和重复涂改的痕迹中体味出他对“物”的感受和思考。无论这个世界怎么变化，绘画于他而言都具有不行替代性，就像我们饮食结构中的主食一样不行或缺。

《喷泉》，布面油画，200X300cm，2017近十年来，张春华多次前往西欧各大博物馆和今世艺术中心举行观摩考察和学习，同时也到场了一些国际性的展览，他越觉察恰当代艺术在全球一体化时代的今天，艺术家处在差别的国家、地域以及差别的文化配景下，所出现出小我私家的体验以及小我私家对世界差别思考的重要性。《诗人出走》，装置，尺存可变，2018 今日美术馆：近期有新的作品吗？未来几年有何创作计划和偏向？张春华：最近正在画一幅三米乘六米的大画，是为今年的安仁双年展创作的，作品名叫“历史剧照”我想说的是我们面临的今天，天天都发生着猛烈的变化，差别的地域和文化拼凑成一幕幕荒唐剧，转头看任何一个时代的理想主义都有落幕的时候，放到历史大戏里看，只是躺在影象中一幅幅被遗忘的剧照而已。近两年包罗未来一段时间我的创作将会一直围绕着“剧照”这条线索。我小我私家对绘画在今天这个时代，尤其是在中国配景下的意义和价值也在不停的追问和思考，试图从小我私家的角度在看似微观叙事的作品中，出现出中国特有的配合影象和正在发生的庞大变化。

基于这样特殊的历史文化配景下所发生的差异性和世界格式下展开讨论的可能性。今日美术馆：作为本届王式廓国际驻留项目的获奖艺术家，你对即将前往纽约举行艺术驻留有怎样的期待以及创作计划吗？张春华：我之前正幸亏纽约有呆过一个月的时间，其时观摩和相识了纽约的各大博物馆、美术馆、艺术中心以及画廊，感受到了世界文化艺术中心的格式和魅力，险些天天都有国际重要艺术家的展览开幕，纽约是开放、混杂而多样化的一个的地方。

我期待自己在ISCP三个月的驻留期间，能够与来自世界各地的艺术家展开交流与讨论。差别国家地域和文化配景下的艺术也将在这里相互吸纳、引发和融会，我想一定会让我发生新的创作思路。

这一次驻留创作因为空间和运输问题，我可能不会创作大尺幅的作品，关于创作偏向上还将延续“剧照”这条线索。我十分期待在一个完全生疏的语境里，因为差别的体验一定会有差别于以往的新作泛起！。

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